COMO USAR OBRAS DE ARTE EM ROUPAS – APRESENTADO POR ARTISTAS E DESIGNERS CONTEMPORÂNEOS

Há muito tempo que as roupas deixaram de ser apenas uma forma de cobrir o corpo. Hoje, elas são uma das formas mais marcantes e acessíveis de autoexpressão. E se tornarmos o nosso vestido ou camisa não apenas na moda, mas uma verdadeira obra de arte? Os designers e artistas contemporâneos estão cada vez mais a romper a fronteira entre a galeria e o guarda-roupa.

Eles literalmente transferem ideias, imagens e até mesmo quadros inteiros para o tecido. Não se trata apenas de uma impressão com reprodução – é um diálogo significativo com a arte. Essas roupas fazem pensar, despertam emoções e transformam o seu proprietário num participante do processo artístico.

Usar arte significa fazer uma declaração pessoal. É um passo ousado que diz muito sobre o seu gosto, curiosidade e desejo de se destacar da multidão. Vamos ver como os criadores de hoje combinam moda e arte, criando peças verdadeiramente únicas que dão vontade de usar e discutir.

Os participantes do projeto são escritores, designers, artistas e até mesmo uma dançarina de break dance.

Para a sessão fotográfica, a marca convidada representa representantes de destaque da arte contemporânea de diferentes áreas. Por exemplo, Clara Balde, dançarina de break dance e atriz, “experimentou” a pintura “Oval Branco”, de Kandinsky. A tela ainda é frequentemente chamada de “música na tela” – essa ideia agradou a Clara, que não consegue viver sem dançar. Outro protagonista da sessão fotográfica foi o artista e designer industrial Mikhail Tsaturyan, que em 2018 levou ao festival Burning Man uma galeria virtual inteira, a Holoquarium, com obras de artistas 3D. Já Matiss Sartoyo, que trabalha com arte conceitual contemporânea, apareceu na filmagem "dentro" da pintura "Praça Vermelha", de Kandinsky – uma ideia era refletir a dualidade, a diversidade e a mobilidade da cidade. “Cada vez que visito a Galeria Tretyakov, ela se revela para mim de uma nova maneira. E o projeto com a "TVOE" virou tudo de cabeça para baixo – admite o artista – enquanto me preparava para as filmagens, eu praticamente me afundei na leitura sobre expressionismo e vanguardismo, a obra e a biografia de Kandinsky. É incrível como a história e a modernidade estão em sintonia nas suas obras. A “Praça Vermelha” parece ter sido pintada hoje – tão viva, imprevisível, caótica, agitada, familiar e, ao mesmo tempo, desconhecida.

Vasily Kandinsky, “Oval Branco”, 1919

Vasily Kandinsky, “Praça Vermelha”, 1916

O projeto em si tornou-se uma obra de arte

A produtora criativa Anna Gnezdilova e o diretor de conteúdo Mikhail Kumarov buscam criar instalações artísticas que reflitam uma visão contemporânea dos clássicos. Por exemplo, um artista assumiu o papel com naturalidade, representando o quadro “Três Bogatires” de Vasnetsov. Eis o que Masha disse sobre o resultado do trabalho: “A simbiose de três épocas colidiu frontalmente na linha da frente do campo nevado do parque de Moscovo, com um copo de café de cartão na mão direita e um eco do espírito guerreiro da oposição popular na forma de uma espada enrolada em celofane preto na mão esquerda. dos manifestantes? Não, eu sou um copo de café de papelão. Aquele que todos conhecem, com duas colheres de açúcar e espuma amassada. Que não sabe nada sobre guerra, mas quer liberdade e prazer. Para mim, Vasnetsov é um herói do seu tempo, que conseguiu reunir o espírito das epopeias aos poucos, recriando com o pincel o caráter da coragem, da vontade e da força.

Viktor Vasnetsov, “Três Bogatires”, 1898

O projeto visa popularizar a arte entre os jovens.

Pinturas em roupas são uma boa maneira de atrair a atenção do público mais jovem para obras de arte famosas. Museus mundialmente conhecidos já colaboraram com muitas marcas e lançaram coleções conjuntas. O Museu do Prado, em Espanha, fez uma colaboração com a Zara – em 2019, em homenagem ao 200.º aniversário do museu, foi lançada uma coleção de roupas com pinturas famosas. Entre elas estavam, por exemplo, “As Três Graças”, de Rubens, “O Imperador Carlos V com o Cão”, de Ticiano, e “As Meninas”, de Velázquez. A Vans lançou uma coleção de roupas com o Museu Vincent van Gogh. Ela incluiu camisetas, mochilas e tênis decorados com o autorretrato do artista e reproduções de algumas pinturas famosas. E o diretor criativo da linha masculina da Louis Vuitton, Virgil Abloh, lançou uma coleção da sua própria marca, Off-White, em parceria com o Louvre de Paris. A colaboração foi dedicada à exposição de Leonardo da Vinci – daí os fragmentos de “Madona nas Rochas” e “Santa Ana com a Madona e o Menino Jesus” nas roupas. A “YOUR” e a Galeria Tretiaquova decidiram não apenas lançar uma coleção de roupas com pinturas emprestadas, mas também organizaram uma sessão fotográfica-instalação com artistas e designers — cada um deles poderia concretizar sua visão sobre as obras de arte.

Mikhail Vrubel, “A Princesa Cisne”, 1900

A arte faz parte da nossa vida cotidiana

A pintura na roupa é uma oportunidade de levar a arte consigo todos os dias e contar ao mundo as suas opiniões. E, ao mesmo tempo, aproximar-se das origens e regressar brevemente à infância. Por exemplo, a pintura “Menina com estampas” de Serov é uma ode à hospitalidade e ao conforto (o artista pintou-a na casa do industrial Mamontov, onde era sempre recebido com alegria). Esta pintura foi apresentada pela artista Alina Zolotykh. “Na infância, eu ia todos os verões para a aldeia visitar a minha avó, onde na cozinha, na parede branca, estava suspensa a obra “Menina com esplendores”, de Serov”, conta Alina. — Desde então, a pintura sempre me lembra a sensação do verão, o cheiro das flores, frutas frescas e também o despertar matinal, quando ainda dá tempo de ver o orvalho da manhã e muitas “pequenas grandes maravilhas”. Acho importante voltar com a memória daquela sensação infantil de liberdade e não perder completamente a ligação com ela.”

Valentin Serov, “Menina com estampas”, 1887

Os artistas e designers contemporâneos estão cada vez mais a discutir a fronteira entre a arte e a vida cotidiana, transformando a roupa numa tela para pinturas, soluções gráficas e ideias autorais. Ao vestir uma camiseta com uma reprodução ou um casaco com uma estampa criada em colaboração com um artista, a pessoa parece levar consigo para a cidade uma exposição – não na bolsa, mas no corpo. Não se trata apenas de moda, mas de uma forma de expressar o gosto, a visão de mundo e apoiar a criatividade. A arte na roupa deixa de ser decoração – torna-se parte da imagem, da mensagem e até do protesto.

A filmagem de um dos personagens foi feita debaixo de água.

Analisamos as tendências que serão determinantes para a indústria da moda nas próximas temporadas. O que o negócio da moda perde ao evitar funcionários com deficiência e como eliminar as barreiras.

Deficiência x trabalho: há lugar na indústria da moda para funcionários “especiais”?

Daria Zolotukhina, Yandex.Market: estamos prontos para ajudar no desenvolvimento das marcas de moda russas Personalização, inteligência artificial e análise de vendas: a diretora da nova divisão de moda do Yandex.Market, Daria Zolotukhina, falou sobre a cooperação com os vendedores e as oportunidades que se abrem ao trabalhar com esta plataforma online. Elena Kadykova, diretora da empresa “Snegnaya Koroleva”, enfatiza que a substituição de importações para eles não é uma palavra da moda, mas uma prática real há muitos anos. Ainda antes de o tema se tornar atual para todo o país, eles começaram a desenvolver a sua própria produção, a adaptar tecnologias e a procurar análogos nacionais para equipamentos e materiais importados. Graças a isso, hoje a empresa é resistente a crises externas e continua a crescer, apostando em desenvolvimentos e na equipe russa. A história de Elena Kadykova e de sua empresa é um exemplo claro de como a visão de longo prazo e o trabalho árduo levam ao sucesso. O seu caminho para a substituição de importações não começou ontem, mas foi o resultado de uma estratégia de muitos anos, baseada na confiança nas suas próprias forças e nos fabricantes russos.

Para as estampas nas roupas, foram utilizadas pinturas de Viktor Vasnetsov, Ivan Aivazovsky, Mikhail Vrubel, Arkhip Kuindzhi, Wassily Kandinsky, Aristarkh Lentulov, Kazimir Malevich e Valentin Serov. Todas elas são muito conhecidas – por exemplo, os mesmos “Três Bogatires” de Vasnetsov e “Demónio” de Vrubel. Todas essas pinturas podem ser vistas na Galeria Tretyakov ou na Nova Tretyakovka, em Krymsky Val. A maioria delas foi adquirida pessoalmente por Pavel Mikhailovich Tretyakov para sua coleção. Alina Zolotykh partilhou que a Nova Galeria Tretyakov há muito se tornou um lugar de força para ela. "Adoro passear pelas salas – é como se estivesse a visitar velhos amigos e sempre saio com algo novo para mim, algo importante – uma ideia, uma sensação, pensamentos."

Mikhail Vrubel, “Demónio Sentado”, 1890

Uma pintura dass – “Quadrado Negro”, de Malevich, que o próprio artista considera “o melhor que há na Galeria Tretyakov”

O famoso "Quadrado Negro" é uma declaração pictórica e plástica do suprematismo inventada por Malevich. O próprio artista chamava a esta pintura “o rosto da nova arte.” Durante a investigação da pintura na Galeria Tretyakov, descobriu-se que sob o quadrado negro se escondiam duas composições geométricas, que acabaram por ser cobertas pelo quadrado. Segundo as memórias do seguidor e amigo I. Klun, já gravemente doente, à beira da morte, Malevich mandou transmitir ao diretor da Galeria Tretyakov, M. Christie, que a melhor obra de toda a galeria era o seu “Quadrado Negro”. No projeto "TVOE" com a Galeria Tretiakov, o quadro foi apresentado pelo artista Alexander Efimov. Ele levou muito a sério a decoração para as filmagens: “Quando eu sabia que iria representar o pai fundador do suprematismo nas filmagens, percebi imediatamente que minha tarefa seria trabalhar ao máximo com a cor.” Diante de mim havia paredes brancas e 100 litros de tintas de cores diferentes, e eu dei a cada uma delas a oportunidade de se expressar. Eu literalmente jogava tinta nas paredes com as mãos nuas, e toda essa ação se transformava em uma espécie de dança ritual aborígine. O resultado foi uma pintura muito forte em termos de energia, no estilo abstrato – acho que Kazimir teria gostado. Mas nas obras de Malevich, as cores têm limites bem definidos.

Eu, por outro lado, libertei a cor!

Kazimir Malevich, "Quadrado Negro", 1915.

O quadro “O Rapto de Europa” é uma experiência pictórica de Serov, que ele nunca mostrou a ninguém.

Valentin Serov, “O Rapto da Europa”, 1910.

Este filme foi um verdadeiro desafio físico para mim e para Cynthia. Começarei pelo treino vocal, pois este estilo de interpretação era totalmente novo para mim. Quando interpreta música pop, utiliza mais o registro vocal torácico, enquanto as árias de Glinda se assemelham mais à operação e desativam uma interpretação clássica. E apesar de sempre ter cantado com uma voz bastante aguda, tive de fazer um novo treino vocal para este papel. Começámos a trabalhar com o meu professor de canto, Eric Vitro, dois meses antes da minha audição, porque eu queria primeiro chegar ao casting o mais qualificado possível. Eu não sabia o que me pediriam para cantar e queria estar preparado caso me pedissem para cantar, por exemplo, a música “No One Mourns The Wicked”. Em geral, tive que mudar um pouco, porque esse papel planejado de mim um canto diferente e uma maneira diferente de falar. Afinal, como qualquer outro músculo do nosso corpo, a voz adquire novos hábitos à medida que é treinada.

SOBRE O VESTIDO ROSA DE GLINDA

Esta pintura é uma das obras centrais de Kandinsky, que se tornou um símbolo da sua maturidade criativa. Ao trabalhar na pintura, o artista simplesmente deu direção às formas que surgiam na sua imaginação. Existem mais de 30 esboços e rascunhos para a pintura. Kandinsky trabalhou os detalhes com tanto cuidado que levou apenas três dias para pintar a versão final. Na pintura, percebe-se o tema do apocalipse, que também está presente em obras anteriores do artista. O próprio Kandinsky compara o trabalho em "Composição VII" com o próprio universo, com o surgimento do cosmos. Uma série de catástrofes como o rugido caótico de uma orquestra, que acaba por se transformar numa sinfonia. O artista AXIMM tornou-se o rosto da instalação com pinturas de Kandinsky: “Gosto do facto desta série ter um ritmo abstrato. As composições parecem viver segundo as suas próprias regras e rodopiam numa dança infinita, enquanto as cores pulsam. É a busca e a investigação da forma e do núcleo de um dos primeiros abstracionistas e representantes da vanguarda mundial. Se Vasily tivesse continuado a ser advogado e não tivesse pegado no pincel aos 30 anos, quem sabe como seria o mundo hoje?”

Vasily Kandinsky, “Composição VII”, 1915

Os artistas e designers contemporâneos quebram estereótipos, transformando as roupas em verdadeiras galerias ambulantes. Eles não se limitaram a imprimir uma imagem numa camiseta, mas entrelaçaram em tecido histórias inteiras, emoções e manifestos artísticos. Já não se trata apenas de uma homenagem à moda, mas de um diálogo completo entre a arte e quem a veste.

A principal mensagem deste movimento é a democratização da arte. Ela não está mais confinada aos museus, mas sai para as ruas, tornando-se parte da vida cotidiana. Pode expressar o seu amor por um determinado artista, apoiar uma ideia importante ou simplesmente declarar o seu estado de espírito, usando uma peça de roupa assim.

A beleza fundamental desta abordagem é sua acessibilidade. Não é necessário comprar uma peça de designer para ter uma fortuna. É possível encontrar trabalhos interessantes de designers em pequenas feiras ou até mesmo criar o seu próprio “objeto de arte vestibilidade”, inspirando-se nos exemplos que viu. É um convite à criatividade e à autoexpressão ousada através do que vestimos todos os dias.