CÓMO LLEVAR ARTE EN LA ROPA – DEMOSTRADO POR ARTISTAS Y DISEÑADORES CONTEMPORÁNEOS

Hace tiempo que la ropa dejó de ser solo una forma de cubrir el cuerpo. Hoy en día es una de las formas más llamativas y accesibles de expresarse. ¿Y si hiciéramos que nuestro vestido o camisa no solo estuvieran a la moda, sino que fueran auténticas obras de arte? Los diseñadores y artistas contemporáneos borran cada vez más la frontera entre la galería y el armario.

Literalmente trasladan ideas, imágenes e incluso cuadros completos a la tela. No se trata simplemente de una reproducción impresa, sino de un diálogo significativo con el arte. Este tipo de ropa invita a la reflexión, despierta emociones y convierte a su propietario en parte del proceso artístico.

Llevar el arte puesto es hacer una declaración personal. Es un paso valiente que dice mucho de tu gusto, tu curiosidad y tu deseo de destacar entre la multitud. Veamos cómo los creadores de hoy en día combinan la moda y el arte para crear piezas verdaderamente únicas que dan ganas de llevar y comentar.

Los participantes en el proyecto son escultores, diseñadores, artistas e incluso una bailarina de break dance.

Para la sesión fotográfica, la marca invitó a destacados representantes del arte contemporáneo de diferentes ámbitos. Por ejemplo, Clara Balde, bailarina de break dance y actriz, “se probó” el cuadro de Kandinsky “Ovalo blanco”. La tela todavía se conoce a menudo como “música en lienzo”, una idea que le gustó a Clara, que no puede vivir sin bailar. Otro de los protagonistas de la sesión fue el artista y diseñador industrial Mikhail Tsaturyan, que en 2018 llevó al festival Burning Man toda una galería virtual, Holoquarium, con obras de artistas 3D. Matiss Sartoyo, que se dedica al arte conceptual contemporáneo, apareció en la sesión “dentro” del cuadro de Kandinsky “Plaza Roja”, con la idea de reflejar la dualidad, la diversidad y la movilidad de la ciudad. “Cada vez que voy a la Galería Tretiakov, la veo con otros ojos. Y el proyecto con “TVOE” lo ha puesto todo patas arriba”, admite el artista. “Mientras me preparaba para el rodaje, me sumergí en la lectura sobre el expresionismo y el vanguardismo, la obra y la biografía de Kandinsky. Es increíble lo mucho que la historia y la modernidad resuenan en sus obras. “La “Plaza Roja” parece pintada hoy: igual de brillante, impredecible, caótica, estimulante, familiar y, al mismo tiempo, desconocida”.

Vasilii Kandinskii, “Óvalo blanco”, 1919

Vasilii Kandinskii, “Plaza Roja”, 1916

El proyecto en sí mismo se convirtió en una obra de arte.

La productora creativa Anna Gnezdilova y el director de contenidos Mikhail Kumarov han logrado crear instalaciones artísticas que reflejan una visión contemporánea de los clásicos. Por ejemplo, el artista se metió de lleno en el papel al representar el cuadro “Los tres héroes” de Vasnetsov. Esto es lo que Masha dijo sobre el resultado de su trabajo: "La simbiosis de tres épocas chocó frontalmente en la vanguardia del campo nevado del parque moscovita, con una taza de café de cartón en la mano derecha y el eco del espíritu belicoso de la oposición popular en forma de Espada envuelta en celofán negro en la izquierda. ¿Quién soy yo en esta historia: el celofán, que apenas oculta la cruda realidad? ¿O la pesada espada desnuda, lista para clavar una palabra afilada en la helada mañana? de los manifestantes? No, soy un vaso de cartón con café. Uno de esos que todos conocemos, con dos cucharadas de azúcar y espuma arrugada. Que no sabe nada de la guerra, pero quiere libertad y placer. Para mí, Vasnetsov es un héroe de su tiempo, que supo reunir el espíritu de las epopeyas poco a poco, recreando con su pincel el carácter de la valentía, la voluntad y la fuerza.”

Viktor Vasnetsov, “Los tres bogatires”, 1898.

El proyecto tiene como objetivo popularizar el arte entre los jóvenes.

Las imágenes en la ropa son una buena forma de atraer la atención del público más joven hacia obras de arte famosas. Muchos museos de renombre mundial ya han colaborado con marcas y han lanzado colecciones conjuntas. El Museo del Prado español colaboró ​​con Zara: en 2019, con motivo del 200 aniversario del museo, se lanzó una colección de ropa con cuadros famosos. Entre ellos se encontraban, por ejemplo, “Las tres gracias” de Rubens, “El emperador Carlos V con su perro” de Tiziano y “Las meninas” de Velázquez. Vans lanzó una colección de ropa con el Museo Vincent van Gogh. Incluye camisetas, mochilas y zapatillas decoradas con el autorretrato del artista y reproducciones de algunos cuadros famosos. Y el director creativo de la línea masculina de Louis Vuitton, Virgil Abloh, lanzó una colección de su propia marca Off-White en colaboración con el Louvre de París. La colaboración se realizó con motivo de la exposición de Leonardo da Vinci, de ahí los fragmentos de “La Virgen de las Rocas” y “Santa Ana con la Virgen y el Niño Jesús” en la ropa. “YOUR” y la Galería Tretiakov decidieron no solo lanzar una colección de ropa con cuadros legendarios, sino también organizar una sesión fotográfica-instalación con artistas y diseñadores, cada uno de los cuales pudo plasmar su visión de las obras de arte.

Mijaíl Vrubel, “La princesa cisne”, 1900

El arte forma parte de nuestra vida cotidiana.

Una pintura en la ropa es una oportunidad para llevar el arte contigo todos los días y contarle al mundo tus opiniones. Y, al mismo tiempo, acercarse a los orígenes y volver por un momento a la infancia. Por ejemplo, el cuadro “La niña con melocotones” de Serov es una oda a la hospitalidad y la comodidad (el artista lo pintó en la casa del industrial Mamontov, donde siempre lo recibiran con alegría). Esta obra fue presentada por la artista Alina Zolotykh. “De niña, cada verano iba al pueblo a casa de mi abuela, donde en la cocina, en la pared blanca, colgaba “La niña con melocotones” de Serov”, cuenta Alina. — Desde entonces, el cuadro siempre me ha evocado la sensación del verano, el aroma de las flores, la fruta fresca, y también el despertar temprano, cuando aún se puede disfrutar del rocío matutino, y un sinfín de «pequeñas grandes» maravillas." Creo que es importante volver en mi memoria a esa sensación infantil de libertad y no perder por completa la conexión con ella.”

Valentin Serov, “La niña de los melocotones”, 1887

Los artistas y diseñadores contemporáneos borran cada vez más la frontera entre el arte y la vida cotidiana, convirtiendo la ropa en un lienzo para pinturas, soluciones gráficas e ideas originales. Al ponerse una camiseta con una reproducción o un abrigo con un estampado creado en colaboración con un artista, la persona lleva consigo a la ciudad una exposición, no en un bolso, sino sobre sí misma. No se trata solo de moda, sino de una forma de expresar el gusto, la visión del mundo y apoyar la creatividad. El arte en la ropa deja de ser decoración y se convierte en parte de la imagen, del mensaje e incluso de la protesta.

La filmación de uno de los personajes se realizó bajo el agua.

El artista Kirill Grigoriev decidió sumergirse por completo en el cuadro de Aivazovsky, y la sesión fotográfica con él se realizó bajo el agua. Kirill quedó completamente satisfecho con el resultado y dijo que, si no hubiera sido por el equipo experimentado, el resultado no habría sido el previsto. Pero lo que más impresionó al artista fue el cuadro de Vrubel “El demonio sentado”, que también presentó en el proyecto. "Me siento cerca de Vrubel precisamente por esta obra, porque muchas veces en mi vida me he sentado en esa postura y me siento aburrido. El demonio es, al fin y al cabo, un alma perdida. Y el arte clásico es el abecedario de la espiritualidad, un lugar para la reflexión, para que puedas tomar la decisión correcta. Lo principal aquí es darse tiempo para pensar en el mundo y en cómo todo esto se aplica a ti mismo o a tu prójimo."

Iván Aivazovsky, “Noche de luna en Capri”, 1841

En los estampados, los cuadros favoritos de todos del Museo Tretiakov.

Para los estampados en la ropa se utilizaron pinturas de Viktor Vasnetsov, Iván Aivazovsky, Mijaíl Vrubel, Arkhip Kuindzhi, Vasili Kandinski, Aristarkh Lentulov, Kazimir Malévich y Valentín Serov. Todas ellas son muy reconocibles, como por ejemplo “Los tres bogatires” de Vasnetsov y “El demonio” de Vrubel. Todas estas pinturas se pueden ver en la Galería Tretiakov o en la Nueva Tretiakovka en Krymsky Val. La mayoría de ellas fueron adquiridas personalmente por Pavel Mijáilovich Tretiakov para su colección. Alina Zolotykh compartió que la Nueva Tretyakovka se ha convertido desde hace tiempo en un lugar de poder para ella. “Me encanta pasear por las salas, es como visitar a viejos amigos y siempre me voy con algo nuevo e importante para mí: una idea, una sensación, pensamientos.”

Mijaíl Vrubel, “El demonio sentado”, 1890

Una de las pinturas es “Cuadrado negro” de Malévich, que el artista personalmente calificó como “lo mejor que hay en la Galería Tretiakov”.

El famoso "Cuadrado negro" es una declaración pictórica y plástica del suprematismo inventada por Malevich. El propio artista llamaba a este cuadro “el rostro del nuevo arte”. Durante el estudio del cuadro en la Galería Tretiakov, se descubrió que bajo el cuadrado negro se escondían dos composiciones geométricas, que quedaron ocultas por el cuadrado. Según los recuerdos de su seguidor y amigo I. Klun, ya gravemente enfermo, al borde de la muerte, Malevich ordenó transmitir al director de la Galería Tretiakov, M. Kristi, que la mejor obra de toda la galería era su “Cuadrado negro”. En el proyecto “TVOYE” con la Galería Tretiakov, el cuadro fue presentado por el artista Alexander Efimov. Se tomó muy serio la decoración para el rodaje: "Cuando supe que en el rodaje representaría al padre fundador del suprematismo, comprendí inmediatamente que mi tarea sería trabajar al máximo con el color. Tenía ante mí paredes blancas y 100 litros de pinturas de diferentes colores, y di la oportunidad de expresarse a cada uno de ellos. Literalmente, lancé la pintura a las paredes con mis propias manos, y toda esta acción se convirtió en una especie de danza ritual aborigen. El resultado fue un cuadro muy potente en cuanto a energía, de estilo abstracto; creo que a Kazimir le habría gustado pero en las obras de Malevich, el color tiene límites claros.

“¡Yo liberé el color!”

Kazimir Malevich, “Cuadrado negro”, 1915

El cuadro "El rapto de Europa" es un experimento pictórico de Serov que nunca mostró a nadie.

Valentin Serov, “El rapto de Europa”, 1910.

En 1907, Serov viajó por Grecia y quedó muy impresionado por la arquitectura antigua. Entonces se le ocurrió la idea de pintar uno de sus temas favoritos: el rapto de Europa, hija del rey fenicio, por Zeus. El artista tomó como base el tema mítico y pintó el cuadro guiándose únicamente por su imaginación. Para un realista, fue un experimento bastante inusual. Serov se inspiró en las antiguas estatuas y monumentos arquitectónicos de Creta. La obra resultó concisa, con colores intensos y siluetas expresivas que le dan dinamismo y ritmo. Pero el artista nunca mostró su creación a nadie hasta el final de su vida. “Cuando miro el rostro de Europa, veo a una mujer fuerte, sensata y, quizás, astuta”, compartió la modelo y diseñadora de joyas, la señora Rojas, que presentó el cuadro en el proyecto, “y en la mirada del toro veo más a una víctima de la manipulación que a un secuestrador”. Esta pintura me provoca toda una gama de sensaciones, y eso me gusta. Me gusta incluso la idea de que todo en la vida tiene más de una verdad. Y, si miramos más de cerca, comprenderemos lo engañosa que puede ser la primera impresión.”

Una de las pinturas más enigmáticas del proyecto es “COMPOSICIÓN VII” de Kandinsky.

Esta pintura es una de las obras centrales de Kandinsky, que se convirtió en un símbolo de su madurez creativa. Mientras trabajaba en la pintura, el artista simplemente daba forma a las imágenes que surgían en su imaginación. En total, existen más de 30 bocetos y bocetos para la pintura. Kandinsky trabajó los detalles con tanto esmero que solo tardó tres días en pintar la versión final. En el cuadro se adivina el tema del apocalipsis, presente también en obras anteriores del artista. El propio Kandinsky compara el trabajo en “Composición VII” con el propio universo, con el surgimiento del cosmos. Una serie de catástrofes como el caótico rugido de una orquesta, que al final se convierte en una sinfonía. El artista AXIMM se convirtió en el rostro de la instalación con pinturas de Kandinsky: “Me gusta que esta serie tenga un ritmo abstracto. Las composiciones parecen vivir según sus propias reglas y girar en una danza infinita, mientras que los colores pulsan. Se trata de la búsqueda y la exploración de la forma y el color de uno de los primeros abstractos y representantes de la vanguardia mundial. Si Vasilii hubiera seguido siendo abogado y no hubiera cogido el pincel a los 30 años, ¿quién sabe cómo sería el mundo hoy en día?

Vasilii Kandinskii, “Composición VII”, 1915

Los artistas y diseñadores contemporáneos rompen los estereotipos, convirtiendo la ropa en auténticas galerías que se pueden llevar puestas. No se limitan a imprimir un dibujo en una camiseta, sino que entretejen en la tela historias completas, emociones y manifiestos artísticos. Ya no se trata simplemente de un homenaje a la moda, sino de un diálogo completo entre el arte y quien lo lleva.

El mensaje principal de este movimiento es la democratización del arte. Ya no está encerrado en los museos, sino que sale a la calle y se convierte en parte de la vida cotidiana. Puedes expresar tu amor por un artista concreto, apoyar una idea importante o simplemente manifestar tu estado de ánimo llevando una prenda de este tipo.

La belleza clave de este enfoque radica en su accesibilidad. No es necesario comprar una prenda de diseño por un precio desorbitado. Se pueden encontrar interesantes obras de autor en pequeñas ferias o incluso crear tu propio “objeto de arte para llevar puesto”, inspirándote en los ejemplos que has visto. Es una invitación a la creatividad y a la audaz expresión personal a través de lo que llevamos puesto cada día.