COMMENT PORTER DES ŒUVRES D’ART SUR VÊTEMENTS — COMME LE DÉMONTRENT DES ARTISTES ET DES CRÉATEURS CONTEMPORAINS

Les vêtements ont depuis longtemps cessé d'être un simple moyen de couvrir le corps. Aujourd'hui, ils constituent l'un des moyens d'expression les plus marquants et les plus accessibles. Et si l'on faisait de sa robe ou de sa chemise non seulement un vêtement à la mode, mais aussi une véritable œuvre d'art ? Les designers et les artistes contemporains effacent de plus en plus souvent la frontière entre la galerie et la garde-robe.

Ils transposent littéralement des idées, des images et même des tableaux entiers sur du tissu. Il ne s'agit pas simplement d'une reproduction imprimée, mais d'un dialogue réfléchi avec l'art. Ces vêtements incitent à la réflexion, suscitent des émotions et transforment leur propriétaire en participant au processus artistique.

Porter de l'art sur soi, c'est faire une déclaration personnelle. C'est un geste audacieux qui en dit long sur vos goûts, votre curiosité et votre envie de vous démarquer de la foule. Voyons comment les créateurs d'aujourd'hui associent la mode et l'art pour créer des pièces vraiment uniques que l'on a envie de porter et de discuter.

Les participants au projet sont des sculpteurs, des designers, des artistes et même une danseuse de break dance.

Pour le tournage, la marque a invité des représentants éminents de l'art contemporain issus de différents domaines. Par exemple, Clara Balde, danseuse de break dance et actrice, a « essayé » le tableau de Kandinsky « Ovale blanc ». Cette toile est souvent qualifiée de « musique sur toile », une idée qui a beaucoup plu à Clara, qui ne peut vivre sans la danse. Un autre héros du tournage était l'artiste et designer industriel Mikhaïl Tsaturian, qui a apporté en 2018 au festival Burning Man toute une galerie virtuelle, Holoquarium, avec des œuvres d'artistes 3D. Matiss Sartoyo, qui travaille dans le domaine de l'art conceptuel contemporain, s'est retrouvé « à l'intérieur » du tableau de Kandinsky « La Place Rouge » — l'idée étant de refléter la dualité, la diversité et la mobilité de la ville. « À chaque fois, la galerie Tretiakov m'apparaît sous un nouveau jour. Et le projet avec « TVOE » a complètement bouleversé mon univers, avoue l'artiste. En me préparant pour le tournage, je me suis plongé dans la lecture d'ouvrages sur l'expressionnisme et l'avant-garde, la créativité et la biographie de Kandinsky. Il est incroyable de voir à quel point l'histoire et la modernité sont en résonance dans ses œuvres. La « Place Rouge » semble avoir été peinte aujourd'hui : elle est tout aussi vive, imprévisible, chaotique, troublante, familière et en même temps inconnue.

Wassily Kandinsky, « Ovale blanc », 1919

Wassily Kandinsky, « Place Rouge », 1916

Le projet est devenu en soi une œuvre d'art

La productrice créative Anna Gnezdilova et le directeur du contenu Mikhaïl Koumarov ont réussi à créer des installations artistiques qui reflètent une vision contemporaine des classiques. Par exemple, l'artiste s'est parfaitement glissée dans la peau du personnage, représentant le tableau « Les trois bogatyrs » de Vasnetsov. Voici ce que Masha a dit à propos du résultat de son travail : « La symbiose de trois époques s'est affrontée sur le front d'un champ enneigé d'un parc moscovite, avec une tasse de café en carton dans la main droite et un écho de l'esprit militant de l'opposition populaire sous la forme d'une épée enveloppée dans du cellophane noir dans la main gauche. Qui suis-je dans cette histoire : le cellophane qui cache faiblement la dure réalité du présent ? Ou la lourde épée nue, prête à enfoncer un mot tranchant dans le matin glacial des manifestants ? Non, je suis un gobelet en carton rempli de café. Un gobelet familier à tous, avec deux cuillères de sucre et une mousse froissée. Qui ne sait rien de la guerre, mais qui aspire à la liberté et au plaisir. Pour moi, Vasnetsov est un héros de son temps, qui a su rassembler les fragments de l'épopée, recréant avec son pinceau le caractère du courage, de la volonté et de la force.

Viktor Vasnetsov, « Les Trois Bogatyrs », 1898

Le projet vise à promouvoir l'art auprès des jeunes

Les peintures sur les vêtements sont un bon moyen d'attirer l'attention d'un public plus jeune sur des œuvres d'art célèbres. De nombreux musées de renommée mondiale ont déjà collaboré avec des marques et lancé des collections communes. Le musée espagnol du Prado a collaboré avec Zara : en 2019, à l'occasion du 200e anniversaire du musée, une collection de vêtements reprenant des peintures célèbres a été lancée. Parmi celles-ci figuraient notamment « Les Trois Grâces » de Rubens, « L'Empereur Charles Quint avec son chien » du Titien et « Les Ménines » de Velázquez. Vans a lancé une collection de vêtements en collaboration avec le musée Vincent van Gogh. Elle comprenait des t-shirts, des sacs à dos et des baskets décorés d'un autoportrait de l'artiste et de reproductions de certains tableaux célèbres. Virgil Abloh, directeur artistique de la ligne masculine de Louis Vuitton, a lancé une collection de sa propre marque Off-White en collaboration avec le Louvre à Paris. Cette collaboration a été organisée à l'occasion de l'exposition consacrée à Léonard de Vinci, d'où la présence de fragments de « La Vierge aux rochers » et de « Sainte Anne, la Vierge et l'Enfant Jésus » sur les vêtements. « TVOYE » et la galerie Tretiakov ont décidé non seulement de lancer une collection de vêtements inspirée de tableaux légendaires, mais aussi d'organiser une séance photo-installation avec des artistes et des designers, chacun d'entre eux pouvant ainsi concrétiser sa vision des œuvres d'art.

Mikhail Vroubel, « La princesse cygne », 1900

L'art fait partie de notre vie quotidienne

En ce qui concerne les tendances dans la conception des projets artistiques, une chose est claire : les règles strictes appartiennent au passé. L'audace, l'individualité et la réponse émotionnelle sont appréciées. L'art ne vit plus seulement dans les galeries, mais aussi dans nos intérieurs, devenant ainsi partie intégrante de notre vie quotidienne et d'un dialogue avec nous-mêmes. La conversation avec Natalia Zaichenko permet de voir que l'art contemporain d'aujourd'hui n'est pas un monde détaché de la vie. Il devient de plus en plus ouvert et accessible, comme le montre l'exemple de Cosmoscow. Il est important de ne pas avoir peur de poser des questions et de chercher des significations personnelles dans les œuvres des artistes. J'ai étudié auprès d'Evgueni Viktorovitch Assa et Nikita Tokarev à l'Institut d'architecture et d'urbanisme de Moscou (MARCHI) dans un atelier expérimental et je leur en suis très reconnaissante. Ils nous ont appris à analyser, à explorer, à réfléchir, ils nous ont enseigné le processus même de conception et de conceptualisation, et surtout, ils nous ont appris à être motivés. Des experts étaient toujours invités lors de la remise des projets : architectes, artistes, designers, philosophes, historiens de l'art. Nous avons appris à présenter, à parler, à poser des questions, à critiquer, à argumenter, à nous féliciter nous-mêmes et à féliciter nos collègues. Un jour, E.V. Ass a invité l'architecte suisse Peter Zumthor, lauréat du prix Pritzker, et son groupe d'étudiants. Les professeurs ont changé, et nous avons conçu avec Zumthor, en commençant par une impression d'ensemble du projet. La première tâche consistait à ressentir l'espace et à créer une carte postale, comme si tout était déjà réalisé.

Valentin Serov, « La petite fille aux pêches », 1887

Les artistes et designers contemporains effacent de plus en plus souvent la frontière entre l'art et la vie quotidienne, transformant les vêtements en toiles pour des peintures, des solutions graphiques et des idées originales. En enfilant un t-shirt avec une reproduction ou un manteau avec un imprimé créé en collaboration avec un artiste, on emporte en quelque sorte une exposition avec soi en ville, non pas dans un sac, mais sur soi. Ce n'est pas seulement une question de mode, mais un moyen d'exprimer son goût, sa vision du monde et de soutenir la créativité. L'art sur les vêtements cesse d'être un simple décor, il devient partie intégrante de l'image, du message et même de la protestation.

La séance photo de l'un des protagonistes s'est déroulée sous l'eau.

L'artiste Kirill Grigoriev a décidé de s'immerger complètement dans le tableau d'Aïvazovski : le tournage avec lui s'est déroulé sous l'eau. Kirill était entièrement satisfait du résultat et a déclaré que sans une équipe expérimentée, le résultat n'aurait pas été celui escompté. Mais c'est le tableau de Vroubel « Le Démon assis », qu'il a également présenté dans le cadre du projet, qui a particulièrement impressionné l'artiste. « Je me sens proche de Vroubel précisément à travers cette œuvre, car j'ai souvent pris cette posture dans ma vie et je me suis ennuyé. Le démon, c'est avant tout une âme égarée. Et l'art classique, c'est l'alphabet de la spiritualité, un lieu de réflexion qui te permet de faire le bon choix. L'essentiel ici, c'est de se donner le temps de réfléchir au monde et à la façon dont tout cela s'applique à toi-même ou à ton prochain. »

Ivan Aïvazovski, « Nuit de pleine lune à Capri », 1841

Sur les imprimés, les tableaux préférés de la galerie Tretiakov

Les imprimés sur les vêtements reprenaient des tableaux de Viktor Vasnetsov, Ivan Aïvazovsky, Mikhail Vrubel, Arkhip Kouïndji, Wassily Kandinsky, Aristarkh Lentoulov, Kazimir Malevitch et Valentin Serov. Toutes ces œuvres sont très reconnaissables, comme par exemple « Les Trois Bogatyrs » de Vasnetsov et « Le Démon » de Vroubel. Toutes ces peintures peuvent être admirées à la Galerie Tretiakov ou à la Nouvelle Tretiakovka sur le Krymsky Val. La plupart d'entre elles ont été acquises personnellement par Pavel Mikhaïlovitch Tretiakov pour sa collection. Alina Zolotykh a confié que la Nouvelle Tretyakovka était depuis longtemps pour elle un lieu de pouvoir. « J'adore flâner dans les salles, c'est comme si je rendais visite à de vieux amis et que je repartais toujours avec quelque chose de nouveau pour moi, quelque chose d'important : une idée, une sensation, des pensées. »

Mikhail Vrubel, « Le Démon assis », 1890

L'une des peintures est « Le Carré noir » de Malevitch, que l'artiste a personnellement qualifié de « meilleur tableau de la galerie Tretiakov ».

Le célèbre « Carré noir » est une déclaration picturale et plastique du suprématisme inventé par Malevitch. L'artiste lui-même appelait ce tableau « le visage du nouvel art ». Lors de l'étude du tableau à la galerie Tretiakov, on a découvert que sous le carré noir se cachaient deux compositions géométriques, qui ont été recouvertes par le carré. D'après les souvenirs d'un disciple et ami de Malevitch, I. Klun, déjà gravement malade et à l'article de la mort, Malevitch aurait demandé au directeur de la galerie Tretiakov, M. Christy, de lui faire savoir que la meilleure œuvre de toute la galerie était son « Carré noir ». Dans le cadre du projet « TVOE » avec la galerie Tretiakov, le tableau a été présenté par l'artiste Alexandre Efimov. Il a abordé avec le plus grand sérieux les décors pour le tournage : « Quand j'ai appris que je devais représenter le père fondateur du suprématisme lors du tournage, j'ai tout de suite compris que ma tâche consisterait à travailler au maximum avec la couleur. J'avais devant moi des murs blancs et 100 litres de peinture de différentes couleurs, et j'ai donné à chacune d'elles la possibilité de s'exprimer. J'ai littéralement jeté la peinture sur les murs à mains nues, et toute cette action s'est transformée en une sorte de danse rituelle aborigène. Le résultat est un tableau abstrait très puissant en termes d'énergie — je pense que Kazimir aurait aimé. Mais dans les œuvres de Malevitch, les couleurs ont des contours nets.

J'ai quant à moi libéré la couleur ! ».

Kazimir Malevitch, « Carré noir », 1915

Le tableau « L'enlèvement d'Europe » est une expérience picturale de Serov qu'il n'a jamais montrée à personne.

Valentin Serov, « L'enlèvement d'Europe », 1910

À l'heure actuelle, il est important de noter que la collection printemps-été 2022 est arrivée à temps et est déjà disponible en magasin. Nous avons réussi à éviter les interruptions de livraison et sommes désormais prêts à répondre à toute demande avec une offre de produits actuelle. En ce qui concerne la collection automne-hiver, heureusement, l'expérience des dernières années nous a appris à anticiper. À l'heure actuelle, la collection est prête et nous avons quelques mois pour nous adapter à une situation en rapide évolution. Bien sûr, nous réduisons toutes les dépenses possibles. Nous travaillons activement sur la collection actuelle. Tant que notre pays ne comptera pas d'entreprises produisant des tissus modernes à partir de fibres de haute technologie à un coût compétitif, les fabricants russes devront continuer à coudre à partir de matériaux importés. Pour l'instant, la part importante du coût du tissu (jusqu'à 50 %) dans le coût de production ne permet pas aux fabricants russes de se détacher complètement des taux de change. Pour que cela soit possible, il est important de développer l'industrie légère.

Comment le prix de la collection de la saison actuelle / prochaine va-t-il évoluer en raison de l'augmentation des prix des matières premières et de la logistique ?

Ce tableau est l'une des œuvres centrales de Kandinsky, qui est devenu le symbole de sa maturité créative. Pendant qu'il travaillait sur le tableau, l'artiste donnait simplement une direction aux formes qui surgissaient dans son imagination. Il existe au total plus de 30 croquis et esquisses pour ce tableau. Kandinsky a travaillé les détails avec tant de minutie que la version finale n'a nécessité que trois jours de travail. Le thème de l'apocalypse, présent dans les œuvres antérieures de l'artiste, transparaît dans ce tableau. Kandinsky lui-même compare son travail sur « Composition VII » à la création du monde, à l'apparition de l'univers. Une série de catastrophes comme le rugissement chaotique d'un orchestre qui finit par se transformer en symphonie. L'artiste AXIMM est devenu le visage de l'installation avec les tableaux de Kandinsky : « J'aime le fait que cette série ait un rythme abstrait. Les compositions semblent vivre selon leurs propres règles et tourbillonner dans une danse infinie, tandis que les couleurs pulsent. Il s'agit d'une recherche et d'une exploration de la forme et de la couleur par l'un des premiers abstractionnistes et représentants de l'avant-garde mondiale. Si Vasily était resté avocat et n'avait pas pris le pinceau à 30 ans, qui sait à quoi ressemblerait le monde aujourd'hui ? »

Vasily Kandinsky, « Composition VII », 1915

Les artistes et designers contemporains brisent les stéréotypes en transformant les vêtements en véritables galeries ambulantes. Ils ne se contentent pas d'imprimer une image sur un t-shirt, ils tissent dans le tissu des histoires entières, des émotions et des manifestes artistiques. Il ne s'agit plus d'un simple hommage à la mode, mais d'un véritable dialogue entre l'art et ceux qui le portent.

Le message principal de ce mouvement est la démocratisation de l'art. Il n'est plus confiné dans les musées, mais descend dans la rue et fait partie de la vie quotidienne. Vous pouvez exprimer votre amour pour un artiste en particulier, soutenir une idée importante ou simplement afficher votre humeur en portant un tel vêtement.

La beauté de cette approche réside dans son accessibilité. Il n'est pas nécessaire d'acheter des articles de créateurs à des prix exorbitants. Vous pouvez trouver des créations originales intéressantes dans de petits marchés ou même créer votre propre « objet d'art portable » en vous inspirant des exemples que vous avez vus. C'est une invitation à la créativité et à l'expression audacieuse à travers ce que nous portons chaque jour.