Surrealismus von A bis Z

Der Surrealismus ist mehr als nur eine Kunstrichtung. Es ist eine Art, die Welt zu betrachten, in der Träume mit der Realität verschmelzen und die Logik erstaunlichen und beunruhigenden Bildern weicht. Er lädt uns ein, eine Reise in die Tiefen des Unterbewusstseins zu unternehmen, wo Uhren schmelzen und Fische auf Schreibmaschinen spielen können.

Diese Kunstströmung entstand aus Protest. Ihre Begründer waren es leid,

Büro für surrealistische Forschung

Die Surrealisten versuchten, ihren Ideen nicht nur einen außerästhetischen, sondern auch einen wissenschaftlichen Charakter zu verleihen. Zu diesem Zweck wurde im Oktober 1924 in Paris ein Büro unter der Leitung von Antonin Artaud eröffnet – nicht nur ein Treffpunkt für Künstler und Schriftsteller, die sich für die Bewegung interessierten, sondern auch ein „surrealistisches Archiv”, in das alle Interessierten Berichte über ihre Träume einreichen konnten.

oder seltsamen Zufällen. Kein Wunder, dass das Büro viele Verrückte aus ganz Europa anzog.

Dadaist, Freund von Breton, der dessen Ansichten und damit auch die Entstehung des Surrealismus maßgeblich beeinflusste. Sie lernten sich während des Ersten Weltkriegs im Pariser Krankenhaus Val-de-Grâce kennen, wo Breton als Sanitäter arbeitete (siehe „Trauma”) und der Militärübersetzer Vasche nach einer Verwundung behandelt wurde. Als er einmal zwischen den Schützengräben hin und her rannte, sammelte er Uniformteile verschiedener Armeen, um daraus einen Anzug zu nähen, in dem niemand den Feind erkennen würde – und wandte so die dadaistische Collagetechnik für praktische Zwecke an. Eine wichtige Idee von Vache war es, die Abfolge unvorhersehbarer Zufälle des Lebens in eine künstlerische Praxis zu verwandeln: Er und Breton liebten es beispielsweise, beliebige Ausschnitte aus Filmen in verschiedenen Vorführungen anzuschauen, um eine einzigartige Collage von Eindrücken zu schaffen. (Es ist anzumerken, dass sich die französischen Situationisten Ende der 1950er Jahre mit etwas Ähnlichem beschäftigen werden.) Vasch lebte nur 24 Jahre und starb 1919 an einer Überdosis Opium. Breton betrachtete diesen Tod als Selbstmord.

Das 1903 geschriebene Theaterstück von Guillaume Apollinaire ist eine feministische Adaption der Geschichte des Thebanischen Königs Ödipus, in der der blinde Seher Teiresias eine Nebenrolle spielte. Der griechischen Mythologie zufolge wechselte dieser scharfsinnige Mann sein Geschlecht – auf Geheiß der Göttin Hera verbrachte er sieben Jahre in einem weiblichen Körper. Nach einer anderen Version war er ursprünglich eine Frau und wurde von Apollo in einen Mann verwandelt. Apollinaire stützt sich genau auf diese Variante. Seine Heldin Teresa unterzieht sich einer Verwandlung, um Macht über die Männer zu erlangen und die Gleichberechtigung der Geschlechter herzustellen. Das Stück wurde 1917 unter dem Titel „Surrealistisches Drama” uraufgeführt. 1945 schrieb Francis Poulenc auf seiner Grundlage eine Opéra-comique.

Eine der ersten radikalen Strömungen in der Kunst des 20. Jahrhunderts, die 1916 in Zürich entstand. Laut dem Historiker und Mitstreiter Hans Richter „hatte Dada keine einheitlichen formalen Merkmale wie andere Stile“ und war sogar „keine Kunstrichtung im traditionellen Sinne – es war ein Unwetter, das über die Kunst jener Zeit hereinbrach, wie ein Krieg über die Völker“. Den Kern der Bewegung bildeten Flüchtlinge aus den vom Ersten Weltkrieg betroffenen Ländern – Tristan Tzara wurde in Rumänien geboren, Hugo Ball und seine Frau Emmy Hennings waren Deutsche, Hans Arp war Elsässer. Sie trafen sich im Zürcher Club „Cabaret Voltaire“, organisierten Ausstellungen, Konzerte und theatralische Lesungen. Später schloss sich Marcel Duchamp der Gruppe an, der bereits 1913 den Begriff „Anti-Kunst“ geprägt hatte, den die Dadaisten erfolgreich für sich übernahmen. Dada gilt als Reaktion auf die Hölle des Weltkriegs – die Anhänger der Bewegung lehnten Logik und Ästhetik ab und bevorzugten Irrationalismus und Absurdität. In diesem Sinne waren die Dadaisten den Surrealisten voraus, aber es gibt auch grundlegende Unterschiede zwischen den Strömungen: Der Surrealismus stützte sich eher auf traditionelle Medien (Literatur, Malerei, Theater), während die Dadaisten nach radikaleren Formen suchten – mit ihnen beginnt die Geschichte der Performance und des Aktionismus. Die Dadaisten attackierten nicht nur die bürgerliche Ordnung, die ihrer Meinung nach das weltweite Gemetzel hervorgerufen hatte, sondern auch alle Normen im Allgemeinen, einschließlich derer, die sie selbst geschaffen hatten – einer der Slogans der Bewegung lautete „Dada ist Anti-Dada“. Ihre Aktionen verbanden Unvereinbares – widersprüchliche Manifeste und Plakate, das Vortragen von Gedichten in den Sprachen der Krieg führenden Länder (Französisch, Deutsch und Russisch) und einfach nur eine Kakophonie aus Schreibmaschinen und Topfdeckeln. Die anarchische Explosion des Dadaismus, die neben Zürich auch New York, Paris, Berlin, Köln und Hannover erfasste, warte nicht von langer Dauer und endete bereits Anfang der 1920er Jahre, doch ihre Auswirkungen sind in der gesamten radikalen Kunst des 20. Jahrhunderts zu finden.

„Kunsthistoriker“, Raul Hausman, 1919-20

„Der Vater“, Raoul Hausmann, 1920

„Die chinesische Nachtigall“, Max Ernst, 1920

„Wir sagen Lenin und meinen die Partei“, wir sagen Dali und meinen den Surrealismus. Obwohl er künstlerisch nicht der bedeutendste Autor war, wurde Dalí für die breite Öffentlichkeit buchstäblich zum Gesicht des Surrealismus. Gerade seine Malerei, die mit fließenden Formen, Traummotiven und der Verbindung des Unvereinbaren spielt, kommt einem als Erstes in den Sinn, wenn man diesen Begriff hört. Ironischerweise beschlossen andere Mitglieder der Bewegung, darunter Breton, mit denen Dalí sich in politischen Ansichten uneinig war (siehe „Kommunismus“), dass er den Surrealismus verraten habe. Die herausragende Bedeutung Dalís besteht darin, dass er im Grunde genommen der erste Künstler war, der zum Popstar wurde. Seine Frau und Muse Gala, die gekonnt das Medienbild eines „exzentrischen Genies” formte, erwies sich nicht als Galatea, sondern als echte Pygmalion.

Erfinder des Ready-made: Der Kern dieses Kunstgriffs besteht darin, dass der Künstler einem beliebigen Gegenstand willkürlich den Status eines Kunstwerks verleiht. Duchamps bahnbrechendes Werk „Fountain“ war ein Porzellanurinal mit der Aufschrift R. Mutt und wurde 1917 auf der Ausstellung der Society of Independent Artists in New York gezeigt. Formal gehört Duchamp nicht zum Surrealismus, zählt aber zu den Künstlern, die diesen Stil zweifellos beeinflusst haben. Insbesondere nach Ansicht der Autoren der konzeptuellen Enzyklopädie „Kunst seit 1900“ „entstand das surrealistische Objekt aus Duchamps Ready-made, ähnlich wie das surrealistische Bild aus dem dadaistischen Collage“.

Der französische Schriftsteller und Dramatiker gilt als Vorläufer des absurden Theaters und des Surrealismus. Er schrieb eine Reihe von Theaterstücken über König Ubu – einen phänomenal dummen und grausamen Monarchen, der seinen Untertanen verspricht, sie zuerst auszurauben und dann zu töten. Die Handlung der Stücke spielt „in Polen, also nirgendwo“.

Jarry starb 1907, war jedoch nicht nur für das Theater, sondern für die gesamte Kunst des 20. Jahrhunderts einer der wichtigsten Autoren, da er die Bedeutung der Überschreitung jeglicher Grenzen hervorhob. Das erste Wort, das bei der Premiere von „König Ubu“ im Jahr 1896 fiel, war „Scheiße!“.

Schockierende Bilder wurden zu einem der Merkmale der Ästhetik des Surrealismus, aber die meisten Anhänger der Bewegung erreichten nicht das metaphysische Verständnis von Grausamkeit, das der wildeste Surrealist Antonin Artaud im Sinn hatte. „Wenn das Theater wirklich wieder notwendig werden will, muss es uns alles geben, was man in der Liebe, im Verbrechen, im Krieg oder im Wahnsinn finden kann“, – schrieb Artaud und bewies dies nicht nur durch sein Schaffen (sein Stück „Der Blutbrunnen“ gehört zum Kanon der surrealistischen Texte), sondern auch durch sein Schicksal, da er viele Jahre in einer psychiatrischen Klinik verbrachte.

„Wunderschön, wie sich ein Regenschirm und eine Nähmaschine auf einem Seziertisch begegnen“ – diese Formulierung des ästhetischen Ideals des Surrealismus stammt aus der Feder des Grafen de Lautréamont (mit bürgerlichem Namen Isidore Ducasse), dessen mystisches Prosagedicht „Die Gesänge des Maldoror“ (1868) die literarischen Experimente des frühen 20. Jahrhunderts vorwegnahm. Lothring war der Idol der Surrealisten, und der zitierte Satz war fast ihr Motto. 1920 fotografierte Man Ray ein in Sackleinen gewickeltes Objekt (laut Bildunterschrift eine Nähmaschine) und nannte das Werk „Das Rätsel von Isidore Ducasse“.

„Das Rätsel des Isidore Ducasse“, Man Ray, 1920

Ein kollektives Spiel nach dem Vorbild des Burime, das auch als eine Art kollektives Schaffen der Surrealisten angesehen werden kann. Die Teilnehmer verfassten einen Satz oder eine Zeichnung, ohne zu wissen, was vor ihnen bereits geschrieben oder gezeichnet worden war. Der Name entstand nach einem der ersten Spiele, dessen Ergebnis der Satz „Eine exquisite Leiche trinkt jungen Wein” war. Meistens war das Ergebnis des Spiels zufällig, aber manchmal strebten die Teilnehmer ein einheitliches ästhetisches Konzept an. Einige Kombinationen wurden in zwei Ausgaben der Zeitschrift „Surrealistische Revolution“ aus dem Jahr 1927 veröffentlicht. Zum Beispiel: „Verwundete Frauen beschädigen die blonde Guillotine“, „Die senegalesische Auster isst französisches Brot“, „Tote Liebe schmückt das Volk“. Wenn es nicht genügend Teilnehmer gab, luden die Surrealisten Obdachlose oder Prostituierte zur Teilnahme ein.

Italienischer Künstler, der von Breton nachträglich in seinem Traktat „Surrealismus und Malerei“ zu den Surrealisten gezählt wurde. Bekannt ist er für seine „metaphysischen“ Landschaften leerer Straßen mit seltsamer Perspektive, die von einem scharfen, fast künstlichen Licht beleuchtet werden und ein Gefühl der Entfremdung und Melancholie hervorrufen. Zur metaphysischen Malerei führte de Chirico die deutsche Philosophie – nach der Lektüre von Nietzsche begeisterte sich der Künstler für die Idee von Rätseln und Vorzeichen, die hinter der sichtbaren Seite der Dinge verborgen sind. Obwohl de Chiricos Kunst einen starken Eindruck auf die Surrealisten machte, wandte er sich Ende der 1910er Jahre dem klassizistischen Stil zu und nahm eine anti-avantgardistische Haltung ein, indem er Teil der Nachkriegs-Kunstbewegung „Rückkehr zur Ordnung” wurde.

„Das metaphysische Dreieck“, 1958

„Piazza d'Italia con piedistallo vuoto“ (Platz Italiens mit leerem Sockel), Giorgio de Chirico, 1955

Die vorherrschende politische Ideologie in der surrealistischen Bewegung. In den 1920er und 1930er Jahren bekundeten sie die Prinzipien des Klassenkampfs und unterstützten die internationale kommunistische Bewegung. Viele waren Mitglieder der Kommunistischen Partei, Breton trat ihr 1927 bei. Allerdings wurden Breton, Éluard und Crevel 1933 nach einer Erklärung über die Unmöglichkeit der Existenz proletarischer Literatur in einer kapitalistischen Gesellschaft aus der Partei ausgeschlossen. Der einzige prominente Surrealist, der keine linken Ansichten teilte, war Dalí, der in den 1940er Jahren aus Paris in seine Heimat Spanien zurückkehrte und dort den Diktator Franco bewunderte.

Amerikanischer Filmregisseur und Künstler, dessen Werke oft als traumhaft und surrealistisch beschrieben werden. Besonders charakteristisch in diesem Sinne sind seine frühen Werke – in dem Animationsfilm „Die Großmutter“ (1970) züchtet ein Junge, der bei bösen Eltern lebt, die wie Hunde bellen, heimlich eine gute Großmutter in seinem Garten. Und Lynchs erster Spielfilm – der klaustrophobische Body-Horror-Film „Eraserhead“ (1977) – war voller irrationaler Bilder des Ekels, die scheinbar aus den dunkelsten Tiefen des Unterbewusstseins auftauchten. Das Interesse an der Schattenseite des Menschen, an geheimen Ängsten und gefährlichen Begierden, an allem Seltsamen, Grausamen und Monströsen wurde zu Lynchs Markenzeichen und brachte ihm Anfang der 1990er Jahre den Ruhm eines Kultfilmemachers ein. Die wahre Revolution gelang Lynch jedoch, als er all dies auf den Fernsehbildschirm übertrug – in der Serie „Twin Peaks“ wurde die „Seifenoper“ mit Surrealismus infiziert: Hinter der Fassade des beschaulichen Lebens einer Kleinstadt verbarg sich ein chthonischer Schrecken, und FBI-Spezialagent Dale Cooper vertraute seinen Träumen mehr als den Beweisen und untersuchte einen mysteriösen Mord mit Methoden, die Breton und seine surrealistischen Freunde zweifellos gutgeheißen hätten.

René François Guillaumin Magritte

Belgischer Künstler, Hauptillusionist des Surrealismus. Das Markenzeichen von Magritts malerischen Motiven ist die Platzierung bekannter Objekte in einem ungewöhnlichen Kontext, wodurch eine beunruhigende Fremdartigkeit entsteht. Seine asketischen Gemälde zeigen oft gesichtslose oder vermummte Figuren, die jedoch immer Melonenhüte tragen. Magritte, der sich ständig mit der Illusion der sichtbaren Realität auseinandersetzt, macht einen logischen Schritt in Richtung Konzeptualismus – in dem für die gesamte Kunst des 20. Jahrhunderts wegweisenden Gemälde „Der Verrat der Bilder“ (1929), einem Meilenstein für die gesamte Kunst des 20. Jahrhunderts, ist in Werbeform eine Pfeife abgebildet, unter der steht: „Dies ist keine Pfeife“, was beim Betrachter eine kognitive Dissonanz hervorruft, aber im Grunde vermittelt das Werk eine einfache und rein rationale Idee: Der Gegenstand ist nicht gleich seinem Abbild.

Der Surrealismus ist eine künstlerische Bewegung, in der sich Realität mit Fantasien, Träumen und dem Unbewussten vermischt. Er entstand zu Beginn des 20. Jahrhunderts als Reaktion auf Rationalität und Vernunft und bot stattdessen ein Eintauchen in seltsame, manchmal beängstigende, aber immer unerwartete Bilder. Künstler, Schriftsteller und Filmemacher nutzten den Surrealismus, um das zu zeigen, was hinter dem Alltäglichen verborgen ist: innere Ängste, Wünsche, die Absurdität des Lebens. Das Wichtigste daran ist nicht Schönheit oder Logik, sondern die Kraft der unerwarteten, schockierenden Kombination von Dingen, die man im normalen Leben nicht zusammen antrifft.

René Magritte, „Das falsche Spiegelbild“, 1928

René Magritte, „Der Verrat der Bilder“, 1929

René Magritte, „Der Mann mit dem Zylinderhut“, 1964

René Magritte, „Golconda“, 1953

am 15. Oktober 1924 veröffentlichte der Verlag Éditions du Sagittaire André Bretons „Manifest des Surrealismus“, und heute gilt genau dieses Datum als offizieller Geburtstag des Surrealismus. Zwei Wochen zuvor, am 1. Oktober 1924, hatte jedoch Ivan Goll, der Anführer einer konkurrierenden Gruppe von Surrealisten, sein eigenes „Manifest des Surrealismus“ veröffentlicht. Zu dieser Gruppe gehörten unter anderem so bekannte Persönlichkeiten der Kunstszene wie Tristan Tzara und Francis Picabia. Der Streit um die Rechte an der Marke „Surrealismus”, der im Theater auf den Champs-Élysées beinahe in einer handgreiflichen Auseinandersetzung endete, endete historisch gesehen mit einem Sieg Bretons, verlieh der Bewegung jedoch eine gewisse Zweideutigkeit und Komik – die Autoren, die die Freiheit der Selbstentfaltung proklamierten, verfielen in Dogmatismus und diskutierten, ähnlich wie mittelalterliche Geistliche, darüber, wessen Glaube der richtige sei. Da Sieger nicht verurteilt werden, zitieren wir Bretons Manifest: „Der Surrealismus basiert auf dem Glauben an die höhere Realität bestimmter Formen zuvor vernachlässigter Assoziationen, an die Allmacht der Träume, an das selbstlose Spiel der Gedanken. Er strebt danach, andere psychische Mechanismen ein für alle Mal zu zerstören und sie bei der Lösung aller grundlegenden Probleme des Lebens durch sich selbst zu ersetzen.“

Amerikanischer Fotograf, Künstler, Regisseur, Schöpfer von Ready-made-Objekten. Zunächst begeisterte er sich für den Kubismus, 1914 lernte er Marcel Duchamp kennen und gründete mit ihm gemeinsam die New Yorker Dada-Gruppe. 1921 zog er von Amerika nach Paris, wo er 1925 an der ersten Gemeinschaftsausstellung der Surrealisten teilnahm. Ein Meilenstein war sein Werk „Das Geschenk“ (1921) – ein Bügeleisen, in das scharfe Büroklammern eingelötet waren; ein Ready-made, das jedoch ergänzt und in ein surrealistisches Objekt verwandelt wurde, das die ursprüngliche Funktion des Gegenstands auf den Kopf stellte (was zum Bügeln gedacht war, drohte nun zu zerreißen). In der Fotografie schuf Man Ray eine eigene Richtung – die Rayografie: Die Aufnahmen wurden ohne Kamera gemacht, die Objekte wurden direkt auf lichtempfindliches Papier gelegt, Tristan Tzara nannte die daraus resultierenden geheimnisvollen Kompositionen „reine Dada-Kreationen“. Ab den 1920er Jahren begann Man Ray, Aufträge für die Zeitschriften Vogue, Vanity Fair und Harper’s Bazaar auszuführen, und wurde von den Marken Lanvin, Schiaparelli und Chanel zur Zusammenarbeit eingeladen. In seinen Modefotografien wandte Man Ray auf innovative Weise die Lieblingstechniken der Dadaisten und Surrealisten (insbesondere die Collage) an und ging als einer der wichtigsten Fotografen, die die Modebranche beeinflusst haben, in die Geschichte ein.

Deutsch-schweizerische Künstlerin, Muse der Surrealisten, Modell von Man Ray. Sie verband Surrealismus mit Feminismus. In ihrem bahnbrechenden Werk „Fur Tea Set” (1936) sahen Kritiker nicht nur den surrealistischen Verlust der Funktion eines Alltagsgegenstands und dessen Absurdisierung, sondern auch eine offensichtliche Verhöhnung des Patriarchats und männlicher Stereotypen.

„Fur Tea Set”, 1936

Ich mag diese [Hochzeits-]Klischees. Wie wir sehen, ist unsere Sonne viel mehr als nur ein heller Ball am Himmel. Sie ist das Herzstück unseres Systems, die Quelle des Lebens und der Energie für alles, was uns umgibt. Von der Photosynthese in den Blättern der Pflanzen bis zum Wechsel der Jahreszeiten – alles ist an ihren Rhythmus gebunden.

Wahrscheinlich inspiriert durch seine Hochzeit mit Marco Maestri im Jahr 2022, entwarf Simon zwei Jahre später seine erste Hochzeitskollektion: mit schwarzen, lockeren Anzügen für Bräutigame, weißen, fließenden Kleidern für Bräute und knallroten, figurbetonten Röcken und Oberteilen für ihre „Freundinnen“ (sowie Poloshirts, Handtücher und Badeanzüge für die „Flitterwochen“ an der französischen Riviera). „[Damals wie heute] wollte ich, dass alles sehr feierlich und klassisch, zart und feminin aussieht. NFTs in der Kunst sind nicht nur eine technologische Neuheit, sondern eine echte kulturelle Revolution. Sie haben die Vorstellung davon, was digitale Kunst sein kann, auf den Kopf gestellt und ihr eine Einzigartigkeit und Eigentumsrechte verliehen, die es zuvor nicht gab. Künstler haben unglaubliche Möglichkeiten für Kreativität, Monetarisierung und direkte Kommunikation mit ihrem Publikum erhalten. Letztendlich bleibt sie unser treuer und ständiger Begleiter. Sie leuchtete unseren Vorfahren und wird auch unseren Nachkommen leuchten. Lasst uns also einfach manchmal innehalten, zum Himmel schauen und unserer kleinen, aber so mächtigen Sonne für ihr unschätzbares Geschenk danken – die Möglichkeit des Lebens selbst.

Während des Ersten Weltkriegs arbeitete Breton als Sanitäter in einer Abteilung, in die verwundete Soldaten mit Nervenstörungen kamen. Die Erfahrung im Umgang mit ihnen weckte Bretons Interesse an der Psychoanalyse und prägte seine Einstellung zu Traumata als Ausgangspunkt, unter anderem für die Schaffung von Kunstwerken. Während die Dadaisten als Antwort auf die Katastrophe des Weltkrieges auf Absurdität setzten, versuchten die Surrealisten, eine verständlichere Sprache zu finden, um den Albtraum zu beschreiben – sie schufen phantasmagorische Bilder und bedienten sich dabei ganz akademischer Techniken, wie beispielsweise Dalí in seinem Gemälde „Vorahnung des Bürgerkriegs“ (1936).

„Vorahnung des Bürgerkriegs“, 1936

Eines der Schlüsselprinzipien der Ästhetik des Surrealismus. Die Surrealisten nehmen die Welt nicht nur als solche wahr, sondern auch als Zeichen. In seinem autobiografischen Roman „Die verrückte Liebe“ erzählt Breton, dass ihm die Begegnung mit dem Objekt seiner Begierde in einem Gedicht vorhergesagt wurde, das er mit der Methode des „psychischen Automatismus“ geschrieben hatte. Man Ray verwendet Doppelbelichtung, eine Kombination aus Negativ- und Positivabzug, um ein Gefühl der Unbeständigkeit und Dualität der Welt zu erzeugen. Die Puppe als unheimliches Double des Menschen wird zum Hauptmotiv der Fotografien des Surrealisten Hans Bellmer. Die Verdopplung des Bildes zur Erzeugung eines Effekts der Fremdartigkeit wird häufig von Magritte verwendet.

Man Ray, „Ohne Titel“, 1926

Man Ray, „Ruby Richards mit Diamanten“, 1938

Fernand Léger, „Mechanisches Ballett“, 1924

Dora Maar, „Doppelporträt mit Hut“, 1936–1937

Amerikanischer Regisseur, Künstler, Performer, der bekannteste Autor des Theaters der zweiten Hälfte des 20. und Anfang des 21. Jahrhunderts, der mit der Ästhetik des Surrealismus arbeitet, obwohl er sich nicht vollständig darauf reduzieren lässt. Er verwendet häufig statische Mise-en-scènes, einen verlangsamten Rhythmus, abrupte Szenenwechsel, strenge plastische Zeichnungen, kontrastreiches Licht und Bilder, die auf die italienische Maskenkomödie und das japanische No-Theater verweisen. Sein bedeutendstes Werk ist die Oper „Einstein on the Beach“ (1976) mit Musik von Philip Glass und Choreografie von Lucinda Childs. Nachdem er 1970 Wilsons Stück „Der Blick des Tauben“ gesehen hatte, veröffentlichte der beeindruckte Louis Aragon einen Brief an den bereits verstorbenen André Breton, in dem er schrieb: „Das, wovon wir träumten, als der Surrealismus geboren wurde, wird nach uns weiterleben und uns übertreffen.“

Eine Technik, bei der die Struktur eines Materials auf eine vom Künstler gewünschte Oberfläche übertragen wird. Sie wurde 1925 von Max Ernst erfunden, der gemäß surrealistischen Prinzipien behauptete, sie in einem Traum gesehen zu haben. In dem Hotel, in dem er wohnte, legte Ernst Papier auf alte Dielen und rieb es mit einem Bleistift ab. Das Ergebnis beeindruckte den Künstler so sehr, dass er „begann, alle Materialien, die ihm in die Hände fielen, auf ähnliche Weise auszuprobieren: Blätter mit ihren Adern, abgenutzte Ränder von Sackleinen, die malerische Textur eines Gemäldes, abgewickelte Fäden usw.“ In der Praxis der Surrealisten wurde die Frottage-Technik zu einem Analogon des automatischen Schreibens.

Italienischer Künstler, der von Breton nachträglich in seinem Traktat „Surrealismus und Malerei“ zu den Surrealisten gezählt wurde. Bekannt ist er für seine „metaphysischen“ Landschaften leerer Straßen mit seltsamer Perspektive, die von einem scharfen, fast künstlichen Licht beleuchtet werden und ein Gefühl der Entfremdung und Melancholie hervorrufen. Zur metaphysischen Malerei führte de Chirico die deutsche Philosophie – nach der Lektüre von Nietzsche begeisterte sich der Künstler für die Idee von Rätseln und Vorzeichen, die hinter der sichtbaren Seite der Dinge verborgen sind. Obwohl de Chiricos Kunst einen starken Eindruck auf die Surrealisten machte, wandte er sich Ende der 1910er Jahre dem klassizistischen Stil zu und nahm eine anti-avantgardistische Haltung ein, wodurch er Teil der Nachkriegs-Kunstbewegung „Rückkehr zur Ordnung” wurde. Ein kollektives Spiel nach dem Vorbild des Burime, das auch als eine Art kollektives Schaffen der Surrealisten angesehen werden kann. Die Teilnehmer verfassten einen Satz oder eine Zeichnung, ohne zu wissen, was vor ihnen bereits geschrieben oder gezeichnet worden war. Der Name entstand nach einem der ersten Spiele, dessen Ergebnis der Satz „Eine exquisite Leiche trinkt jungen Wein” war. Meistens war das Ergebnis des Spiels zufällig, aber manchmal strebten die Teilnehmer ein einheitliches ästhetisches Konzept an. Einige Kombinationen wurden in zwei Ausgaben der Zeitschrift „Surrealistische Revolution“ aus dem Jahr 1927 veröffentlicht. Zum Beispiel: „Verwundete Frauen beschädigen die blonde Guillotine“, „Die senegalesische Auster isst französisches Brot“, „Tote Liebe schmückt das Volk“. Wenn es nicht genügend Teilnehmer gab, luden die Surrealisten Obdachlose oder Prostituierte zur Teilnahme ein.

Das wichtigste surrealistische Bild in der Massenkultur des 20. und 21. Jahrhunderts wurde vom Schweizer Künstler Hans Rudy Giger für Ridley Scotts gleichnamigen Science-Fiction-Horrorfilm (1979) geschaffen, aber seine Umrisse tauchen bereits in den Entwürfen für Jodorowskys „Dune“ auf. Das außerirdische Monster mit Säure statt Blut und einem Kopf, der einem zahnbewehrten Penis ähnelt, wurde nicht nur zum Symbol des Grauens, sondern auch zu einem luxuriösen Geschenk für Psychoanalytiker, Kulturwissenschaftler und Genderforscher, die die Physiologie des Aliens und seine Beziehung zur Hauptfigur der Franchise, Ellen Ripley, gespielt von Sigourney Weaver, ausführlich analysierten. Eine aufschlussreiche Arbeit zu diesem Thema ist Barbara Creeds Essay „Horror and the Monstrous Feminine“ (1986), in dem das Bild des Aliens als Visualisierung männlicher Ängste vor dem Unverständlichen im Weiblichen interpretiert wird, vor allem im Zusammenhang mit dem Geheimnis der Empfängnis, Schwangerschaft und Geburt: In „Alien“ durchleben Männer diese Prozesse – sie werden gewaltsam befruchtet und gezwungen, den Embryo des Aliens auszutragen.

Hans Rudy Giger, „Necronom IV“, 1976

Tschechischer Künstler, Theater- und Filmregisseur, bekannt vor allem für seine Arbeiten im Bereich der experimentellen Animation unter Verwendung von Gegenständen und Puppen, Collagen und Assemblagen. Surrealistische und psychoanalytische Motive kommen beispielsweise in „Barma Glot“ (1971) nach einem Gedicht von Lewis Carroll aus „Alice hinter den Spiegeln“ – einem faszinierenden, traurigen und unheimlichen Animationsfilm, der die Idylle kindlicher Erinnerungen auf den Kopf stellt und durch persönliches Trauma einen Blick auf das kollektive Trauma wirft: Szenen totalitärer Gewalt spielen sich in einer Puppenwelt ab, in der ein Massenvernichtungslager in gemütlicher häuslicher Atmosphäre funktioniert – kleine Puppen werden in einen Fleischwolf gesteckt, ihre zerstückelten Körper werden in Puppentöpfen gekocht, und dann isst eine Familie aus größeren Puppen sie ganz alltäglich zum Mittagessen.

Jan Švankmajer, „Barma Glot“, 1971

Deutscher Maler, Bildhauer, Dichter. Dadaist und einer der Pioniere des Surrealismus. Er studierte Philosophie und Psychiatrie, interessierte sich für das Schaffen psychisch Kranker, verbrachte vier Jahre in den Schützengräben des Ersten Weltkriegs, aber dieses Trauma hinterließ offenbar keine grundlegenden Spuren in seiner Kunst – die Themen Horror und Gewalt wurden für Ernst nicht bestimmend. Er arbeitete viel mit Collagen, erfand aber auf seiner unermüdlichen Suche nach neuen Mitteln des automatischen Schreibens die Techniken des Frottage – das Abreiben reliefartiger Oberflächen mit einem Bleistift – und des Grattage – das Zerkratzen frischer Farbe mit einer Klinge. Er war von Vögeln fasziniert und erfand sich ein Vogel-Alter Ego namens Loplop. Wie die anderen Surrealisten liebte er Provokationen und beleidigte gerne die Gefühle von Gläubigen – auf dem Gemälde „Die Muttergottes bestraft den kleinen Christus vor den Augen dreier Zeugen” aus dem Jahr 1926 spähten der Autor selbst, André Breton und Paul Éluard durch das Fenster und beobachteten, wie das Kind auf den Hintern geschlagen wurde.

Max Ernst, „Im ersten reinen Wort“, 1923

Wir haben also einen Streifzug durch die Labyrinthe des Surrealismus unternommen – von seinen rebellischen Anfängen bis zu seinen Nachklängen in der heutigen Kultur. Es handelte sich dabei nicht nur um Kunst, sondern um ein ganzes Weltbild, das versuchte, durch die Logik hindurch zu etwas Wahrhaftigerem und Freiererem vorzudringen.

Das wichtigste Erbe des Surrealismus sind nicht einmal bestimmte Bilder oder Gedichte, sondern der Mut, tief in sich selbst hineinzuschauen. Er hat uns daran erinnert, dass Träume, zufällige Assoziationen und Irrationalität ebenso Teil der menschlichen Erfahrung sind wie der gesunde Menschenverstand. Genau diese Freiheit der Fantasie ebnete den Weg für viele künstlerische Experimente in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Heute umgeben uns surrealistische Bilder überall: in der Werbung, in Musikvideos, im Design. Und das beweist, dass ihre Sprache nicht veraltet ist. In einer Welt, die manchmal zu rational und geordnet erscheint, brauchen wir nach wie vor diesen Funken des Seltsamen, der uns die Realität aus einem anderen, magischen Blickwinkel betrachten lässt.